Es tiempo de Modigliani en el Thyssen-Bornemisza
Hasta el 18 de mayo de 2008
Bohemio e ingobernable como su propia época, Modigliani vivió ajeno a las convenciones en el París de los manifiestos. Ahora, el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid dedican una retrospectiva al pintor de mirada famélica.
Comisariada por Francisco Calvo Serraller, la exposición recoge la trayectoria del pintor desde su llegada a la Ciudad de la Luz hasta su muerte. Una selección de obras de arte, surgidas de entre la pobreza y la enfermedad que le acompañaron durante toda su vida, bien arropadas por algunos de sus amigos más cercanos.
Los primeros maestros
En 1906 Amedeo Modigliani llega a París. Pronto queda impresionado y muy influido por la obra de maestros de vanguardia como Cézanne o Picasso, algo apreciable en las obras de este periodo. Sin embargo, serán principalmente dos los factores determinantes en su producción posterior: el descubrimiento del arte africano y su amistad con Paul Alexandre. Su traslado a Montparnasse en 1909 constituye otro punto de inflexión. Desde este momento y en fechas posteriores, intensificará su labor escultórica inducido por Brancusi, a quien conocerá en este año, sentándose así las bases de su estilo pictórico de madurez.
Retrato de Jeanne Hébuterne, uno de los varios que hará el pintor
Amistad y arte
Modigiani pronto verá truncada su inclinación escultórica debido a su precaria salud. El polvo provocado por la talla, del que se resiente, será el “culpable” de la dedicación del artista a la pintura en exclusiva, junto con la imposibilidad de conseguir en tiempo de la Gran Guerra bloques para esculpir y la poca aceptación de su obra en el mercado. Gracias a ello, podemos disfrutar en la actualidad de una enorme galería de contemporáneos de Amedeo, a muchos de los cuales conocerá en los principales círculos artísticos e intelectuales del momento, buen testimonio de la Francia de la primera mitad del s.XX.
Modigliani, el pintor ¿maldito?
Reconocido en vida por su obra, exitoso entre las mujeres y querido por sus amigos, Modigliani ha logrado sin embargo forjarse una reputación de pintor maldito con el paso del tiempo. ¿Los motivos? Sus excesos, sus amoríos, la clausura de su única exposición por indecencia, la pobreza, la enfermedad o su muerte a temprana edad y posterior suicidio de su amante Jeanne Hébuterne, quién lo sabe. Lo único seguro son sus obras, que han llegado hasta nuestros días cargadas de melancolía e inspiración.
Un homenaje compartido
Un total de 130 obras, provenientes de todo el mundo, componen esta exposición en la que el homenaje corre a cargo de las piezas de maestros y amigos de Modigliani. Gauguin, Cézanne, Picasso, Derain, Kisling o Soutin ofrecen el contrapunto a todo el conjunto de cuadros, dibujos y esculturas herencia del genio del artista. Una muestra que ofrece un recorrido desde los primeros dubitativos ensayos pictóricos hasta sus últimas creaciones, pasando por sus conocidos desnudos, plenos de un erotismo desafiante, y sus magníficas esculturas.
Más información: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación CajaMadrid
españa/brasil 19-02-2008
El brasileño Cildo Meireles, gana el Premio Velázquez, que aumentará su dotación económica
El artista brasileño Cildo Meireles, obtuvo hoy por unanimidad el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2008, que el próximo año, aumentará su dotación económica a 125.000 euros e incorporará algunas modificaciones en la composición del jurado. Entre los cambios previstos, si continua el actual gabinete, se primará la elección de sus miembros por parte de las instituciones para evitar 'el carácter gubernamental' del galardón, según indicó hoy el ministro de Cultura, César Antonio Molina.
'Queremos que el Premio Velázquez tenga más fuerza y protagonismo', señaló el titular de Cultura, quien advirtió que los cambios se harán después de las elecciones porque antes 'no es apropiado'.
En esta línea, aseguró que el aumento de la dotación se introducirá por medio de una orden ministerial y se incorporará al proyecto de Ley de los Presupuestos Generales del Estado de 2009.
Respecto a los cambios en la composición del jurado, Molina indicó que se primará la elección de sus miembros por parte de las instituciones y anunció que se incorporarán críticos de arte y directores de museos internacionales e incluso se establecerá que los integrantes del jurado 'no se repitan hasta que pasen dos o tres años'.
Asimismo, se incorporará al jurado de este galardón, que premia la totalidad de la obra de un artista en el ámbito de las artes plásticas, los dos últimos artistas galardonados con el Velázquez (en la actualidad sólo forma parte del jurado, el último galardonado).
UN PREMIO 'MUNDIAL'.
Por último, el ministro apuntó que estudian un 'nuevo proyecto' para que el premio sea convocado a 'nivel mundial' y puedan optar a este galardón artistas de todo el mundo. En este momento, los candidatos a este galardón, dotado con 90.000 euros, puede ser los ciudadanos españoles y los de los Estados de la Comunidad Iberoamericana de Naciones.
Mientras tanto, el jurado de esta edición ha decidido conceder el galardón al artista brasileño Cildo Meireles porque 'recoge críticamente la esencia europea propia del arte moderno occidental' y postula un 'compromiso político que ha sabido armonizar con las necesidades poéticas de toda creación'.
El jurado ha estado presidido por Ramón González de Amezúa, director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y compuesto, entre otros, por Miguel Zugaza, director del Museo Nacional del Prado; Manuel Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Antonio Franco, director del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC); José Teixeira Coelho, conservador jefe del Museo de Arte de Sao Paolo; Guillermo Solana, conservador jefe del Museo Thyssen-Bornemisza o Luis Gordillo, Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2007.
ABSTRACCION E INSTALACIONES
En este sentido, Luis Gordillo apuntó que la recién clausurada edición de ARCO ha expuesto 'alguna obra menor' del artista, 'un poco rara, porque es figurativa', matizó Gordillo, para quien las piezas del brasileño están casi siempre enmarcadas en la Abstracción y relacionadas con las 'instalaciones'.
El director general de Bellas Artes y Bienes Culturales, José Jímenez, apuntó que el IVAM dedicó a Meireles una exposición hace dos años y aseguró que su obra forma parte de algunas muestras colectivas.
Por su parte, el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel aseguró que aunque se han expuesto obras suyas en el Museo, la institución que él dirige no tiene ninguna pieza del brasileño en su colección permanente.
Como parte del galardón, el Museo Reina Sofía, a través del Ministerio de Cultura, tendrá que organizar una exposición retrospectiva de la obra del artista.
Además, el galardonado tendrá la facultad de elegir, en los seis meses siguientes a la concesión del Premio, a otro artista menor de 35 años como receptor de la Beca Velázquez, de un año de duración, dotada con 30.000 euros.
BIOGRAFÍA DEL PREMIADO.
Nacido en Río de Janeiro, Meireles fue uno de los fundadores en 1969, junto a Guilheme Vaz y Federico Morais, de la Unidad de Experimental do Museu de Arte Moderna do Río de Janeiro. En 1973 trabajó en escenografías teatrales y cinematográficas y en 1975 dirigió la revista de arte Malasartes.
Pionero del arte de la instalación desde los años 60, en su trabajo se evidencia una intensa carga política. Cildo Meireles pertenece a la generación de artistas que revitalizaron la escena brasileña en los años sesenta tras el despegue iniciado por Helio Oiticica o Lygia Pape. Junto Antonio Manuel o Artur Barrio, Meireles dio forma a un tipo de estética con una gran carga conceptual e influenciada, sobre todo en su caso, por planteamientos post-duchampianos.
Ha incorporado a su lenguaje artístico distintos medios, como el cine participando en la realización de documentales e incluso protagonizándolos, como 'Cildo Meireles' de Wilson Coutinho, en 1979.
Su trabajo se ha expuesto en numerosas muestras internacionales como la Bienal de Sao Paulo, la Bienal de Johannesburgo, o la Documenta IX de Kassel. Ha presentado sus comprometidas instalaciones dentro de muestras colectivas controvertidas e innovadoras como 'Information' en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Muere el escritor Alain Robbe-Grillet, 'el papa de la nueva novela'
Hace 21 horas
PARÍS (AFP) — El escritor francés Alain Robbe-Grillet, considerado "el papa de la nueva novela", falleció este lunes a los 85 años de edad, dejando un valioso legado de decenas de obras literarias a menudo provocadoras así como una huella en la gran pantalla.
Robbe-Grillet murió en el Centro Hospitalario Universitario de Caen (norte de Francia), donde había sido ingresado durante el fin de semana a causa de una dolencia cardíaca, informó el Instituto para la Memoria de la Edición Contemporánea (IMEC).
Fue una figura legendaria de las letras francesas, así como autor de una decena de películas, que navegaron entre el erotismo y la investigación formal.
Elegido en marzo de 2004 en la Academia Francesa para sustituir a Maurice Rheims, nunca fue recibido oficialmente y no ocupó ni una sola vez su asiento.
Nacido el 18 de agosto de 1922 en Brest (noroeste), este ingeniero agrónomo fue encargado de misión en el Instituto Nacional de Estadística (INE) de París entre 1945 y 1948, antes de ocupar un cargo de ingeniero en el Instituto de Frutas y Cítricos Coloniales entre 1949 y 1951.
Pero en los años 50 se consagró a la investigación innovadora sobre la escritura y se convirtió en uno de los principales defensores teóricos de la 'nueva novela', una corriente literaria de los años 50 y 60 que se opuso a las formas novelescas tradicionales.
Al lado de Robbe-Grillet militaron en esa tendencia escritores como Michel Butor, Samuel Beckett, Claude Simon y Nathalie Sarraute, todos ellos partidarios de dar al lector material para imaginar y no para ver, denostando por ejemplo las tramas lineales de la intriga.
Sus primeros títulos, 'Las gomas' (1953), 'El mirón' (1955) y 'La celosía' (1957) se convirtieron en verdaderas reivindicaciones de 'la nueva novela' y contribuyeron a hacerle un nombre en el extranjero.
Al tiempo que escribía, Robbe-Grillet fue consejero literario de la editorial Minuit (1955-1985) y miembro del Alto Comité para la Defensa y la Expansión de la Lengua Francesa (1966-1968). También tuvo tiempo de ejercer la docencia en las Universidades de Nueva York y Washington y dirigió el centro de Sociología de Literatura de la Universidad de Bruselas entre 1980 y 1988.
Su ingreso en la Academia Francesa, se hizo muy a pesar suyo, a juzgar por unas declaraciones en 2001: "No es un gran honor (entrar en este órgano), habida cuenta de la cantidad de personas que hay allí y de las que seríamos incapaces de decir los nombres".
Incansable provocador de fantasmas sadomasoquistas que a menudo complacieron más en el extranjero que en su propio país, el escritor siguió agitando el mundo de las letras hasta su último libro, 'Una novela sentimental', publicada en 2007, en la que daba rienda suelta a historias pederastas y criminales. La novela, que definió como un "cuento de hadas" para adultos, llegó a las librerías envuelta en un plástico que impedía hojearla.
En la gran pantalla, dirigió cintas cono 'La inmortal' (1963) 'Trans-Europ-Express' (1963) o 'La bella cautiva' (1983).
Estaba casado con la novelista Catherine Robbe-Grillet, autora en 1956 de 'La imagen', bajo el pseudónimo de Jeanne de Berg, que fue entonces censurada.
LEÓN FERRARI EN MAR DEL PLATA
Exposiciones de verano para todos
02/02/2008 - 24/03/2008
TEATRO AUDITORIUM
Boulevar Marítimo 2280
Inauguración: sábado 2 de febrero a las 20 hs Horario: todos los días, de 18 a 24 hs ENTRADA LIBRE Y GRATUITA Con la presencia de León Ferrari, el sábado 2 de febrero a las 20 se inaugura “Heliografías”, una serie de trabajos que el consagrado artista plástico realizó en la década del ochenta durante su residencia en San Pablo, Brasil. La exposición es una de las actividades del Programa de Exhibiciones Itinerantes, que lleva adelante la Secretaría de Cultura de la Nación, con curaduría del director de Artes Visuales, Andrés Duprat.
Para realizar estas obras, Ferrari elabora la matriz de sus diseños sobre poliéster utilizando elementos de Letraset, que luego reproduce a través de la técnica heliográfica. El resultado es un particular sistema de imágenes múltiples que abordan temas trascendentes de la condición humana: el poder, las jerarquías, la masificación, la uniformidad, la disciplina, el hacinamiento, la explotación, el sometimiento y la desesperanza.
Dice el artista de esta serie: “Las heliografías tienen el aspecto de planos o urbanizaciones con cierta gracia surrealista. También pueden verse, de alguna manera, como una arquitectura de la locura. Quien se enfrenta a estas obras es libre para establecer asociaciones y darles la interpretación que considere más acertada. Mi propia interpretación, que no limita ni excluye otras, es que expresan lo absurdo de la sociedad actual, esa suerte de locura cotidiana necesaria para que todo parezca normal”. Augusto C. Ferrari Además, podrá visitarse la muestra “Fotografías” del artista y arquitecto Augusto C. Ferrari, padré de León, que se exhibirá en el mismo Teatro Auditórium. La exposición presenta un serie de fotografías de modelos posando para sus pinturas y una reproducción del panorama “Messina distrutta”, que documenta el terremoto que afectó a esa ciudad italiana en el año 1908. Sobre las heliografías León Ferrari realiza sus primeros planos heliográficos en San Pablo, ciudad donde se exilia tras el golpe de 1976. Allí encuentra el campo propicio para la experimentación de nuevos lenguajes: incursiona en el arte con fotocopias, el arte postal, y en obras en las que utiliza Letraset y que agrupa en series denominadas Ajedrez, Códigos, Baños y Plantas. En este contexto, Ferrari realiza sus primeras obras sobre poliéster para ser reproducidas en copias heliográficas. Son especies de planos, estructuras arquitectónicas y situaciones urbanas desarrolladas utilizando como lenguaje el dibujo técnico. Así, construye obras que exacerban hasta el límite las relaciones humanas. Nudos de autopistas imposibles, rotondas que concentran multitudes, estructuras en las que los usos del automóvil y los peatones están invertidos, organizaciones espaciales contradictorias, construcciones inverosímiles que nos precipitan en un universo de extraña fascinación.
La serie propone, por acumulación, un catálogo de situaciones humanas, una magnífica metáfora de la sociedad global contemporánea. Hay una tensión entre la belleza formal de las imágenes y el duro mensaje que de ellas emana. Las obras oscilan entre la abstracción y la figuración La estructura, la minuciosidad del dibujo, el carácter monocromo de las heliografías y la repetición de los patterns generan composiciones geométricas, tramadas y texturadas, que la proximidad de la mirada va transformando y cargando de sentido. Sobre León Ferrari
Nace en 1920 en la Ciudad de Buenos Aires. En los años cincuenta, trabaja la escultura con diversos materiales: cerámica, yeso, cemento, madera y alambres. En su extensa producción artística, se destacan obras como “Cuadro escrito” (1964), central para el arte conceptual internacional, y “La civilización occidental y cristiana” (1965), montaje de un bombardero norteamericano con un cristo de santería, pieza paradigmática en la tradición de la vanguardia estético-política del arte del siglo XX. Por razones políticas, abandonó el país en 1976 y se radicó en San Pablo, Brasil, donde retomó las esculturas metálicas y realizó experiencias con diversas técnicas: fotocopia, arte postal, heliografía, grabado, libro de artista, etc.
Su exposición "Infiernos e idolatrías" (Instituto de Cooperación Iberoamericana, 2000) y su muestra retrospectiva (Centro Cultural Recoleta, 2004) provocaron intensos debates y agresiones por parte de simpatizantes de la Iglesia Católica.
Ha realizado una muestra antológica en la Pinacoteca do Estado, en San Pablo, Brasil, en octubre de 2006 y, simultáneamente, en la Bienal de San Pablo. En 2007, expuso en la Documenta 12, de Kassel, Alemania; en la 6º Bienal del MERCOSUR, en Porto Alegre, Brasil; y en la 52º Exposición Internacional de Arte Bienal de Venecia, Italia, en la que obtuvo el León de Oro de la Bienal. |
León Ferrari. 21´, Espiral, c.1982, 60 x 60 |
SARA FACIO
Antológica 1960-2005
14/02/2008 - 29/03/2008
IMAGO
Suipacha 658 – 1° piso
Inauguración: 14 de febrero a las 19 hs. Horario: de lunes a sábado de 12 a 20 hs Curaduría: equipo Imago-Sara Facio La Fundación OSDE inaugura una exposición de 179 obras de la fotógrafa Sara Facio. Se trata de la más importante muestra antológica realizada sobre la obra de la artista. En ella se propone un recorrido que atraviesa series emblemáticas como Buenos Aires Buenos Aires, Humanario (un trabajo realizado con enfermos mentales en el año 1976), Funerales del presidente Perón; Pablo Nerudaen Isla Negra (años 70); Retratos de Escritores de América latina (Alejandra Pizarnik, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, entre otros); De Brujos y Hechiceras (serie realizada entre 1963 y 2005 en la que fotografió a personajes de la cultura nacional e internacional, como Victoria Ocampo, María Elena Walsh, Jeanne Moreau, Federico Leloir, Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche). La muestra está integrada además por obras menos conocidas, como Las primeras obras premiadas (años 60) o las series Actos de fe en Guatemala, Autopaisajes (años 90), Bestiario (realizada con la artista Nushi Muntaabski) y Metrópolis. También se exhibirán por primera vez obras fuertemente significativas, como las fotografías de la serie Perón vuelve (años 70). A la vez, se ha reservado un espacio de la muestra para exponer los retratos que otros fotógrafos, como Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, María Cristina Orive, Ataúlfo Pérez Aznar o la cineasta alemana Margarethe von Trotta han realizado sobre la artista. Fotógrafa, editora y curadora, Sara Facio nació en la Argentina en 1932 y se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953. Se inició en la fotografía en 1957. Fue asistente de Annemarie Heinrich. En 1973 fundó, con María Cristina Orive, La Azotea Editorial Fotográfica, que aún dirige. Es fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. En 1985 creó y dirigió hasta 1998 la Fotogalería del Teatro General San Martín de Buenos Aires. Desde 1995 es curadora del patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, cuya colección formó y presentó al público en 1998. Expuso en el país y en el extranjero, y sus fotografías integran colecciones privadas y públicas de la Argentina y otros países de América latina, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia y Japón. Recibió numerosos premios por su trayectoria y por sus publicaciones de fotografía. Convencidos de la importancia de la figura de Sara Facio para las artes visuales argentinas, esta muestra constituye un homenaje a su actividad, tanto como productora de imágenes que son hoy patrimonio de la historia cultural de los argentinos, como por su accionar en el campo de la fotografía en la Argentina. Sin duda, ella ocupa un lugar especial en las artes visuales por su actividad desarrollada en torno a la fotografía de nuestro país. Así, cuando en la Argentina la fotografía constituía un territorio desvalorizado y casi ignorado, promovió la creación de la Fotogaleríadel Centro Cultural San Martín, un espacio que se caracterizó no sólo por su insistente regularidad sino también por la ajustada y precisa selección de sus expositores. Instalada la Fotogalería, la artista se abocó a la formación de la Colección de Fotografíasdel Museo Nacional de Bellas Artes. Se constituía así el primer núcleo de fotografías que ingresaba al Patrimonio Nacional, concretando un jalón que contribuiría enormemente a la consolidación de la fotografía en nuestro país. Entre tanto, en 1970 fundaba junto a María Cristina Oribe La Azotea, editorial que ha publicado libros emblemáticos dedicados a la obra de importantes fotógrafos argentinos. Finalmente, Sara Facio acompañó todo este proceso como productora de textos especializados que fueron publicados en Clarín, La Nación, Fotomundo, Photovision y Le Monde Diplomatique, dandobatalla por la fotografía “desde dentro de la fotografía”, conociendo su técnica, la historia, los profesionales y el mercado. Durante la muestra se desarrollarán las siguientes actividades: Jueves 21 de febrero, 18 hs. Encuentro con Rodrigo Alonso: Documento y subjetividad en la obra de Sara Facio. Rodrigo Alonso,licenciado en Artes (UBA), es titular de las cátedras de Lenguaje Visual (IUNA), Historia del Arte y de la Cultura Europea Contemporánea (USAL) e Historia del Media Art (MECAD, Barcelona). Es investigador especializado en arte y tecnología, y curador independiente. Entre sus últimas publicaciones se encuentran Interactivos. Espacio, información, conectividad (2006) y Jaime Davidovich. Video Works (2004). Fue curador de Ansia y devoción (Fundación Proa), Fenêtre sur le Cône Sud (Centre pour l’Image Contemporaine, Suiza). Es jurado y consultor de certámenes e instituciones internacionales. Martes 4, 11, 18 y 25 de marzo, 18.30 hs. Curso con la profesora Verónica Tell: Miradas fotográficas: imágenes argentinas entre dos fines de siglo. En este curso se desarrollarán algunos aspectos de la fotografía en la Argentina entre las últimas décadas del siglo XIX y fines del siglo XX. Se analizarán imágenes para comprender las diferentes funciones que ha cumplido la fotografía, según distintos usos y marcos institucionales, a lo largo del tiempo. Se verán obras de destacados fotógrafos de época y contemporáneos, y de Sara Facio en particular, focalizando en los discursos, los lenguajes y las elecciones estéticas, desde el registro documental hasta la autonomía artística. Verónica Tell es Licenciada en Artes (UBA). Ha investigado la fotografía de fines del siglo XIX, en la Argentina, y publicado trabajos sobre los vínculos entre arte y fotografía en los siglos XIX y XX. En la actualidad se desempeña como docente en la Carrera de Diseño Gráfico de la UBA. Jueves 13 de marzo, 18 hs. Encuentro con Piroska Csuri:“Humanarios” en la obra de Sara Facio. Piroska Csuri, nació en Hungría y obtuvo su doctorado en Lingüística y Ciencias Cognitivas en la Brandeis University, Massachusetts. Se desempeñó como docente en las universidades de Brandeis y Harvard, y en el Boston College. Radicada en Buenos Aires desde el 2000, divide su tiempo entre la investigación y la docencia en fotografía y en ciencia cognitiva. Ha dictado cursos en la Universidad de Buenos Aires y en las Universidades Nacionales de La Pampa, Rosario y del Litoral, IDES y FLACSO. Actualmente enseña en la Universidad de San Andrés y en la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Miércoles 20 y 27 de febrero y miércoles 5, 12,19 y 26 de marzo, 18 hs. Visitas guiadas regulares. Para grupos particulares, solicitar información telefónicamente. Finalizada la exhibición en Buenos Aires, la muestra Sara Facio Antológica 1960-2005, inicia una itinerancia por diferentes ciudades del país. |
El arte latinoamericano se muda a España
A pocos días de la apertura de ARCO (con Brasil como país invitado), Madrid ya le abrió las puertas al arte de nuestro continente con un pabellón propio en Art Madrid
Martes 12 de febrero de 2008 |
MADRID, (EFE).- Con un pabellón propio, el arte latinoamericano será a partir de este martes uno de los protagonistas de la III Feria Internacional de Arte Moderno Contemporáneo Art Madrid, que se celebrará en la capital de España hasta el próximo domingo.
Art Madrid, que aspira a convertirse en referente del arte iberoamericano, acoge este año seis galerías de Latinoamérica y dedica un expositor en exclusiva a las obras de autores de la región, bautizado como Pabellón Latinoamericano.
Habrá galerías de Canadá, Argentina, Corea del Sur, España y Estados Unidos, además de los expositores propios de cinco salas de arte de la región. Ángel Guido Art Project y Arte Privado, de Argentina; El Museo, de Colombia; Servando y Galiano, de Cuba, y Toulouse, de Brasil, son las galerías latinoamericanas presentes en una edición con una destacada presencial internacional: 21 salas de arte de las 80 que acuden a la muestra. Beaux Arts y Preciado Fine Art, de la ciudad estadounidense de Miami, integran la lista de galerías internacionales, en la que también figuran las portuguesas António Prates, Art Lounge, Cordeiros, Perve y Sao Mamede.
En esta edición, Art Madrid amplía su espacio en más del veinte por ciento respecto a 2007, lo que se traduce en 4.500 metros cuadrados de exposición en los que se podrán adquirir obras de artistas como el estadounidense Andy Warhol y los españoles Miquel Barceló o Joan Miró.
Los organizadores de Art Madrid esperan que la feria sea visitada este año por más de 30.000 personas y tener un volumen de ventas superior a los 25 millones de euros (algo más de 36 millones de dólares).
Esta muestra coincidirá temporalmente con la más popular ARCO, que contará con doce galerías latinoamericanas y abre sus puertas del 13 al 18 de febrero con Brasil como país invitado.
En 2007 Art Madrid recibió unos 23.000 visitantes y generó más de 20 millones de euros (casi 30 millones de dólares) en venta de arte .
La muerte de toda persona es lamentable, pero la muerte de un artista es algo distinto...es la muerte de la fantasía, de la creatividad, de la ilusión de lo real.
Elsa Sposaro
Cuba se queda sin un importante representante de la pintura "naif"
Agencia EFE
Lunes, 11 de febrero 2008
Cuba perdió al pintor Ruperto Jay Matamoros, uno de los más importantes representantes de la denominada pintura "naif" o primitiva, fallecido este fin de semana a los 95 años en La Habana, donde desarrolló una larga carrera que le mereció el Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 2000.
Su producción artística ofreció una visión del ambiente del campo cubano desde sus habitantes, el paisaje, la flora y la fauna, recordó hoy la especialista del Consejo Nacional de las Artes Plásticas Virginia Alberdi en declaraciones a medios locales.
Sus obras se han expuesto en Rusia, Canadá, Inglaterra, Bulgaria, Italia, Francia, Estados Unidos, Suiza, Polonia, Venezuela y otros países, además del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana y otras instituciones de la isla.
Jay Matamoros desarrolló su vocación por la pintura de manera autodidacta, al margen de otros oficios con los que alternó la pintura, desde decorador de interiores, jardinero, o mensajero, entre otros, según la fuente.
Como detalle, también señaló que Jay Matamoros contó antes de 1959 con el patrocinio de una conocida coleccionista de arte, María Luisa Gómez Mena, quien divulgó cuadros del pintor en algunos circuitos artísticos de la época.
Jay Matamoros era el único sobreviviente de la primera exposición del Estudio Libre de pintura y escultura creado en 1938 por artistas de la plástica de formación académica como Eduardo Abela, René Portocarrero, Domingo Ravenet y Rita Longa
